Claude Monet - El artista. El hombre.

El nombre de Claude Monet es sinónimo del estilo de pintura impresionista. Distinguible a simple vista, su técnica era tan poco convencional como su vida. El hombre nunca fue de los que "colorean dentro de las líneas". Oscar-Claude Monet nació en 1840 en París, Francia, Monet se interesó por el dibujo desde muy joven. La familia se trasladó a la región de Normandía cuando él tenía cinco años, y fue allí donde comenzó a explorar sus intereses artísticos. No le gustaba la escuela y se sentía limitado por ella. Dibujaba prácticamente todo y a todos. Su padre no apoyaba especialmente sus intereses artísticos, pero su madre le animaba mucho. Sin embargo, a los 16 años, su madre murió. Esto fue un duro golpe para el joven Monet. Se hizo bastante conocido en la comunidad por ser un talentoso dibujante. Tras conocer a Eugene Boudin, un artista local que se dedicaba principalmente a pintar paisajes, su estilo comenzó a evolucionar. Este fue un momento crucial en el desarrollo del joven Monet como artista, con la introducción de la pintura al aire libre por parte de Boudin. Esto se convirtió en la piedra angular de las futuras obras de Monet. En 1859 decide trasladarse a París para perfeccionar su arte y se alista en la Academia Suiza. Poco después, se alistó en las fuerzas armadas y fue enviado a Argel antes de ser liberado por razones médicas. A su regreso, en 1862, Monet estudió con un artista llamado Gleyre, que le presentó a otros artistas, como Renoit, Sisley y Bazille, con los que entablaría una amistad de por vida. Así fue desarrollando su oficio, a menudo pintando al aire libre y del entorno que le rodea, sus obras fueron admitidas en varias exposiciones de arte juzgadas en París, ganando tanto popularidad como críticas. Hacia 1866, Monet comenzó a pintar a Camille Doncieux, que acabaría convirtiéndose en su esposa. Uno de sus cuadros más famosos, Camille (también llamado La mujer de verde), está protagonizado por ella, al igual que muchas otras obras a lo largo del tiempo. Doncieux y Monet se convirtieron en amantes y dieron a luz a su hijo, Jean, en 1867. Monet luchó contra la depresión durante toda su vida. Su situación financiera cambiaba constantemente y, en 1868, se encontró en un estado de desesperación abrumador. Su padre se negó a ayudarle a él y a su "amante" debido al hijo de la pareja fuera del matrimonio y a la elección de Monet de ser artista en general, viendo a ambos como poco prácticos e irresponsables. Monet se vio tan superado por las dificultades que intentó suicidarse saltando al Siene. En 1870 se casó con Camille y en mayo de 1871 abandonó Londres para vivir en Zaandam, donde realizó 25 cuadros (y fue sospechoso de actividades revolucionarias). También realizó una primera visita a la cercana Ámsterdam. Más tarde, ese mismo año, regresó a Francia. Monet vivió desde diciembre de 1871 hasta 1878 en Argenteuil, un pueblo a orillas del Sena cerca de París, y aquí pintó algunas de sus obras más conocidas. Él y sus contemporáneos siguieron contribuyendo a la comunidad artística en general. Expusieron sus obras con regularidad, aunque a menudo fueron recibidos con desdén por la estirada sociedad artística de París de la época. Su estilo de pintura parecía "perezoso" e incompleto. Su técnica representaba con mayor precisión la luz natural y el sombreado, pero aunque utilizaba pinceles y trazos muy pequeños, nunca parecía realista. Fue en una exposición de 1874 cuando se utilizó la palabra "impresionista", destinada a criticar la técnica y las obras resultantes. Él optó por aceptar el término en su lugar. Monet era conocido por ser extremadamente crítico con su propia obra. Además de su lucha de toda la vida contra la depresión, se rumorea que a menudo sufría ataques de ira por la frustración que le producían las obras que no cumplían sus expectativas. Algunos afirman que acuchilló, rompió, pateó o quemó más de 500 obras de arte. Durante este tiempo, la familia siguió trasladándose de un lugar a otro, y empezó a compartir casa con sus amigos Ernest y Alice Hoschede junto con sus seis hijos. Ambos pasaron apuros económicos y, sin conceder el divorcio a Alice, Ernest abandonó a su mujer y a sus hijos. Camille dio a luz a su segundo hijo, Michel, en 1878. La salud de Camille se debilitaba, y el embarazo y el nacimiento de Michel tuvieron un efecto irreparable en su cuerpo. Alice ayudó a cuidarla, pero sucumbió a lo que se registró como tuberculosis, en 1879. La obra de Monet, titulada Camille en su lecho de muerte, era precisamente eso. El dolor por la pérdida de Camille lo embarga. Ambos en estado de luto, Claude y Alice trasladaron a sus hijos a Giverny, Francia, y acabaron desarrollando una relación romántica. Su entorno era sereno y allí se solazaba. La familia alquilaba una casa familiar situada en dos acres. La propiedad contaba con hermosos jardines, un estanque y mucha inspiración para sus obras. Este es el periodo más productivo y exitoso de Monet. Comenzó a obtener beneficios con la venta de sus obras y acabó comprando la casa y la propiedad circundante. Ernest Hoschede fallece y Claude y Alice se casan en 1892. Pasaron el resto de sus años en la casa de Giverny, reformándola y construyendo un estudio propio. A Monet le gustaba mucho pintar la naturaleza controlada: sus propios jardines de Giverny, con sus nenúfares, su estanque y su puente. También pintó las orillas del Sena. Alice falleció en 1911, y Claude en 1926. Otros estilos e iconos El estilo único e instantáneamente reconocible de Vincent van Gogh sigue aumentando su popularidad. Sus cuadros están llenos de energía y vitalidad, y a menudo utilizan una técnica de doble carga del pincel para que la pincelada de arriba y la de abajo sean diferentes, pero ligeramente mezcladas. Van Gogh empleó a propósito un trazo fascinante en todo el cuadro para dirigirnos al punto central. Leonardo da Vinci tenía una técnica llamada "sfumato". En italiano, sfumato significa "ahumado". Este efecto se ve en muchos de sus cuadros, especialmente en la Mona Lisa. El sfumato se consigue mezclando y difuminando para crear reflejos que pueden ser sutiles individualmente, pero que cuando se utilizan en todo el cuadro, crean un efecto general de suavidad. Miguel Ángel Buonarroti era principalmente un escultor. Sus pinturas imitaban los mismos contornos definidos, captando una esencia escultórica. Una de las mejores pinturas jamás creadas fue obra suya, y no en un lienzo; se encuentra en el techo de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel utilizó con maestría la técnica del fresco pintando sobre yeso húmedo. Trabajó febrilmente pasando de una sección a otra para evitar que el yeso se secara. Su obra es una hazaña asombrosa... La técnica de Rembrandt Van Rijn se llamaba "claroscuro". Este también es un término italiano que significa "la oscuridad y la luz". Rembrandt empezaba con una base oscura y luego añadía luz, creando a menudo resultados dramáticos. Cuando se trata de arte, todo el mundo tiene su propio gusto y nivel de apreciación de ciertos medios, estilos, técnicas y artistas. Ya sea un fanático de lo moderno o lo clásico, del realismo, de lo abstracto, del surrealismo, del impresionismo, entre otros, admiramos a estos maestros y tratamos de interpretar su visión. Muchos artistas son incomprendidos y gravemente infravalorados hasta mucho después de su muerte. Encontramos inspiración en su individualismo, sus obras y su pasión. Únase a nosotros. Conviértase en un TENLEGEND™.

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